Premessa d’obbligo:
...è quella riguardante queste pagine che
non vogliono essere “guida” o “tutorial”, ma semplicemente “appunti”.
Quelli di un viaggio cominciato nel novembre 2005
qui su Photo4u e che mi ha portato ad entusiasmarmi,
a tratti commuovermi, emozionarmi comunque attraverso quelle immagini, le vostre immagini,
che mi hanno restituito anche frammenti del mio universo.
Da qui la scelta di illustrare queste righe con alcuni ritratti tratti proprio dal sito. Non una selezione, solo una semplice “raccolta” utile a rendere più immediate queste parole, perché per ciascuno di essi almeno altri dieci si rievocano nella memoria con altrettanta forza ed emozione.
(aerre)

Scrive, il nostro Don nella sua preziosa introduzione alla fotografia street:
“Street photography è entrare in sintonia con la vita, percepirla, assorbirne gli umori, gli odori, i colori, viverla intensamente. Poi, dopo averla assorbita e digerita, rappresentarla. Non ho scritto a caso per ultima la parola “rappresentarla”. La street photography rappresenta la vita, “sintetizzata” in alcuni aspetti. E naturalmente, per rappresentare qualcosa, bisogna conoscerla, o almeno essere in sintonia con essa, essere recettivi. Questo elemento è la base di tutto: se non siamo disposti a guardare la vita con partecipazione e attenzione, non saremo mai un buono street photographer.”
C’è qualcosa in queste righe che si adatta al nostro discorso sul ritratto. Perché, esattamente come la foto fatta “per strada” non è detto che sia necessariamente una “fotografia street”, così, la fotografia di una persona, come di un animale, non può dirsi sempre ed in ogni caso un “ritratto”.
Perché si compia infatti quel salto che trasforma un’immagine qualunque in una “fotografia street” è necessario un “racconto”, che è poi il racconto della vita. Allo stesso modo un “ritratto”, perché lo si possa definire tale, deve restituirci una storia.
Deve “raccontare” insomma; solo che il suo cuore narrativo, la storia cioè che la sua veste figurativa imbastisce, è quella dell’individualità del soggetto e di tutto quello che lo fa essere un universo unico e a se stante.
“Se non siamo disposti a guardare la vita con partecipazione e attenzione”, non saremo capaci di leggere ed interpretare gli aspetti di quell’universo intimo e personale che la figuratività di ciascuno veicola ed in ultima analisi non saremo mai dei bravi ritrattisti.
Semplicemente perché senza quegli ingredienti fondamentali che sono l’“attenzione” e la “partecipazione”, aspetti di una stessa capacità di guardare con il cuore e non soltanto con gli occhi, non saremo in grado di cogliere il carattere, la personalità, le sfumature in una parola l’ “anima” di chi abbiamo di fronte, e resteremo fermi alla superficie delle cose, senza la capacità di sollevare insomma quella coltre che pure, una volta scoperta, disvela il fascino e la magia di quell’universo sempre diverso e incredibilmente articolato che ciascuno di noi è.
Il “ritratto” celebra proprio questo fascino e questa magia, e non potrà mai esistere se non come espressione di una identità, quella del soggetto fotografato cioè, che non è solo fisica ma anche e soprattutto emozionale.
Ecco perché affrontare un ritratto significa prima di tutto guardare a chi abbiamo di fronte come ad una “persona” ed alla sua integrità indissolubile di spirito e di corpo, stabilendo con questa una connessione, a livello emozionale, che ci consentirà di trarne all’esterno tutta la bellezza interiore.
E questo vale non solo quando il soggetto del ritratto sono persone di famiglia o amici, e che quindi conosciamo bene, se non addirittura noi stessi negli autoritratti, ma anche quando abbiamo a che fare con persone mai conosciute prima.

Non è un caso che tutti i ritrattisti consiglino sempre, prima di iniziare una qualunque sessione fotografica, di parlare, chiacchierare amichevolmente con il soggetto. Farlo sentire a proprio agio è condizione irrinunciabile, perché si stabilisca quel feeling che poi consentirà una comunicazione emotiva tra fotografo e soggetto. Perché, alla fine della fiera, questo fa un ritratto: condivide emozioni, stati d’animo, modi di sentire che non sono solo quelli del “fotografato” ma anche quelli del fotografo.
E’ facile infatti che il ritratto registri un moto, un sussulto emozionale che si innesca nell’animo dell’autore a partire dal soggetto stesso. Ma sarà sempre e comunque l’“identità” di quest’ultimo il motore di quel processo creativo che porta al ritratto, la “persona”, perché non v’è ritratto senza che venga colta l’anima del soggetto che s’esprime attraverso la sua figuratività e con essa quell’ imprescindibile flusso emozionale che si stabilisce tra questi e l’autore.
Sono ovviamente infiniti i modi attraverso cui possiamo raccontare la persona, o il soggetto in genere, che abbiamo di fronte: attraverso l’espressione del viso, ma anche solo attraverso un taglio stretto sullo sguardo, una movenza del corpo o una gestualità che può arrivare a nascondere il viso.
Non è il viso di per sé importante, non è questo il punto: per quanto volto ed occhi in particolare costituiscano per lo più la parte capitale di un ritratto, quel che è importante è la “persona” in quanto tale, la sua identità, il racconto che il nostro scatto imbastisce di quest’ultima e che può anche essere veicolato attraverso molteplici sfumature della fisicità e figuratività di un individuo.

Il discorso vale anche quando abbiamo a che fare con gli animali, il nostro gatto domestico come l’affascinante gorilla di montagna. La fotografia che scatteremo di questo o quell’animale potrà dirsi ritratto solo quando avremo cercato di catturarne le peculiarità, il carattere, quel qualche cosa che lo rende unico o, se vogliamo, la sua “identità”.
Ecco in definitiva perché è possibile parlare di ritratto sia quando il nostro soggetto è un essere umano sia quando è un animale, gatto, cane o gorilla che sia, ma non può esistere il ritratto di un oggetto inanimato, una bambola, una statua, per quanto rappresenti in modo più o meno coerente e realistico le fattezze di un corpo umano o di un animale. Semmai la statua, come un dipinto ad esempio, è in alcuni casi il “ritratto”, ma l’immagine della statua resterà comunque la sbiadita trasposizione fotografica di un ritratto; non un ritratto in sé compiuto.

La Tecnica del Ritratto

Aspetti fondamentali della tecnica del ritratto sono l’inquadratura, il punto di ripresa, la composizione e l’illuminazione.

L’inquadratura

In funzione del campo di ripresa possiamo individuare alcune inquadrature classiche nel ritratto: il primissimo piano, il primo piano, il mezzo busto o piano medio, il piano Americano e la figura intera.

Primissimo piano e Primo piano: Nel primissimo piano l’inquadratura è molto stretta sul viso o su una parte di esso, mentre nel primo piano si mantiene più ampia, grosso modo dalle spalle in su.
Non dimentichiamo, nell’approccio al ritratto, che è l’espressività del soggetto la principale chiave di lettura del suo modo di essere; il vero filtro attraverso cui si manifesta il suo universo personale.
Ora, sono proprio il “primissimo piano” e il “primo piano” le inquadrature che con maggiore impatto ci permettono, attraverso tagli più o meno stretti, di concentrare l’attenzione sull’espressione del soggetto e quindi di riuscire a catturarne prima e restituirne poi la personalità e l’essenza, vero obiettivo del ritratto.

La cosa in assoluto più importante è mettere a fuoco gli occhi che devono risultare perfettamente nitidi e nel caso di una ridotta profondità di campo su quello più prossimo al piano
dell’inquadratura: è lo sguardo, quasi inutile dirlo, il principale canale attraverso cui si veicola parte dell’individualità di ciascuno di noi. E questo è valido anche quando il soggetto non guarda direttamente in camera.
Facciamo particolare attenzione allo sfondo. Il nostro interesse è focalizzare l’attenzione sul soggetto e la sua espressività, facendolo staccare quindi dallo sfondo la cui figuratività non deve turbare quella del primo piano.
Se lo sfondo non è uniforme (come potrebbe esserlo in un ritratto realizzato in studio con il classico sfondo bianco o nero per esempio) cerchiamo di sfuocarlo il più possibile con generose aperture del diaframma ad esempio. Apertura del diaframma, lunghezza focale utilizzata, distanza tra noi ed il soggetto e tra questo e lo sfondo, sono tutti elementi che giocano il loro ruolo nel determinare una maggiore o minore sfocatura dello sfondo. Un classico errore per esempio è quello di avvicinare troppo il soggetto allo sfondo: per quanti sforzi si facciano le tessiture di eventuali paramenti murari, intrecci di foglie o trame di sorta saranno sempre abbastanza a fuoco e rischiano nella loro esuberanza figurativa di togliere impatto alla figura che è invece il cuore dello scatto. Uno sfondo troppo nitido insomma, a meno che non rientri nella logica del ritratto stesso, disturba la lettura del soggetto spostando e frantumando il centro dell’interesse.

In linea generale una maggiore lunghezza focale determina una maggiore sfocatura dello sfondo. Obiettivi particolarmente apprezzati nel ritratto, soprattutto per realizzare i primi pani, non casualmente sono i medi teleobiettivi, tra 85 e 135 mm per intenderci, che consentono di mantenere la giusta distanza dal soggetto, senza pericoli di distorcere i lineamenti del viso, e assicurano una naturale sfocatura dello sfondo facendo staccare il soggetto. Per i ritratti dal mezzo busto alla figura intera si preferiranno chiaramente focali molto più corte, dal 50 mm in giù.
Ma fondamentale è anche minimizzare la profondità di campo utilizzando diaframmi più aperti. Sarà proprio la giusta combinazione tra lunghezza focale e apertura di diaframma a garantirci i migliori risultati.
Non solo sarà importante lavorare con focali piuttosto lunghe (135 mm) o aperture di diaframma tali da sfocare il più possibile (f 3/5), ma anche gestire (quando possibile) la luce in modo da sottoesporre lo sfondo riducendone l’impatto figurativo. Per la stessa strada l’uso del bianconero al posto del colore porta a ridurre fortemente l’importanza figurativa dello sfondo.

Mezzo busto o Piano Medio e Piano Americano: Rispetto al primo piano nel “mezzo busto” e nel “piano americano” l’inquadratura si allarga a coinvolgere il corpo del soggetto: dalla vita in su nel caso del primo e dalla coscia in su nel caso del secondo.
Quel che rende profondamente diversi questi generi del ritratto è che se nei due casi precedenti tutta l’attenzione è focalizzata sul viso e la sua espressione, nel caso del ritratto a mezza figura interviene anche il corpo a determinare l’espressività del soggetto. Il volto resta la parte capitale del ritratto, ma qui entrano in gioco la movenza del corpo, il suo atteggiamento, la gestualità delle mani (attenzione a non tagliarle via dall’inquadratura), come elementi attraverso cui si veicola l’identità del soggetto e la sua interiorità.

Proprio perché l’inquadratura si fa più ampia, dobbiamo fare particolare attenzione al rapporto figura/sfondo. Il discorso si farà ancora più determinante nel caso della figura intera, ma già qui si può cominciare a parlare di ritratto ambientato. La figuratività dello sfondo si fa cioè “scenario” all’interno del quale si muove il soggetto e diviene parte integrante del contenuto dello scatto perché caratterizzante o comunque strettamente connesso con il soggetto stesso.
Quando questa connessione non sussiste è invece importante che lo sfondo risulti il più possibile semplice e privo di quegli elementi di disturbo tali da interagire negativamente con la figuratività del ritratto.

Figura intera: in questo caso il soggetto è inquadrato nella sua interezza, il volto diviene sempre meno determinante nel definire l’espressività della persona. E’ il corpo, ...dalla testa ai piedi (fate attenzione che i piedi rientrino all’interno del fotogramma), che veicola l’universo fisico ed emozionale del soggetto e qui più che negli altri generi del ritratto il rapporto con lo sfondo assume un ruolo chiave. L’inquadratura si mantiene necessariamente ampia e si spinge a contenere all’interno del fotogramma ampie porzioni dello scenario nel quale il soggetto è collocato.

C’è dunque un’occasione da sfruttare, che è quella del ritratto ambientato in cui lo scenario circostante non è semplicemente sfondo ma parte significante del ritratto stesso, che ne completa insomma e ne sottolinea il contenuto. Si tratta cioè di stabilire una relazione tra soggetto e contesto e a questa affidare l’espressione del contenuto del ritratto.
Più l’inquadratura si fa ampia più difficile è il controllo di questo rapporto: attenzione ai classici pali o tronchi d’albero che non vorremmo fare sbucare dalla testa di nessuno, al passante di turno e ad altri infiniti possibili elementi che possono essere solo di disturbo.